Pólvora e Poesia

Sempre fico bastante excitado quando me encontro prestes a assistir a uma peça do Fernando Guerreiro. E tenso. Certamente mais tenso que o próprio diretor. Acontece que Fernando é o único profissional do teatro baiano, hoje, que arrisca tanto, a cada trabalho, e sem rede de segurança lá embaixo. Não há uma peça dele que sequer se aproxime da outra, em linguagem da encenação. O segredo é o da escalação da Seleção Brasileira, na final da Copa do Mundo: jamais se sabe o que vai acontecer. Fernando Guerreiro ousa o tempo todo, está profundamente ligado à forma de contar uma história, sem, no entanto, perder os pés numa egotrip barata, deixando o público sem sinopse para contar em casa ou entre os amigos. Em Shopping and Fucking, por exemplo, ele fez de um apartamento inglês um carro vermelho em algum lugar muito quente da América.

Pólvora e Poesia, premiado texto de Alcides Nogueira (telenovelista brasileiro que, por esse texto, venceu o Premio Shell 2001), começa, em Salvador, dentro de uma igreja. Primeira “estripulia” de Fernando. Trata-se de colocar o amor e a loucura de Paul Verlaine, homem casado e com filho, e Rimbaud, poeta marginal, futuro contrabandista de armas etc., dentro da “casa de Deus”, um Deus que não tolera que seu nome seja dito em vão. Por sodomia Oscar Wilde foi parar em Dartmoor...

Segunda “estripulia” de Fernando: seu palco é uma mesa, que depois vira uma espécie de pista de skate, tão logo Verlaine (Caio Rodrigo) puxa um gatilho de debaixo do tampo, que faz com que o móvel praticamente desabe, no meio, formando um “v”, depois de um estridente barulho. A peça realmente começa.

Mas há que registrar o silêncio embrionário do espetáculo. É incômodo, nos faz sentir calor, desconforto, coceira no corpo, vontade de gritar. Em verdade, o silêncio de cerca de dez minutos, enquanto Verlaine transita nervoso, de lado a lado, fumando seu cachimbo, é mais uma nota dissonante da harmonia do espetáculo, marcado pelo barulho. Do outro lado da mesa, Rimbaud (Talis Castro), vestindo a bata de uma foto famosa que registra o poeta já na África – primeiro anacronismo da peça ou uma deliberada mistura dos anos, na memória? –, mais inquieto do que nervoso, aumenta o silêncio inicial ao fazer par com seu amante, calando-se do mesmo modo incontido. A longa e estreita mesa da Santa Ceia, que os separa, a mesa familiar, do almoço aos domingos, está prestes a ser implodida.

Se no texto de Alcides Nogueira o proscênio é usado constantemente para “enfrentar” o espectador, na montagem de Fernando, que vai mais longe ainda, há apenas proscênio: o espaço entre os atores e o público, dividido entre cadeiras e duas arquibancadas, é de, no máximo, metro e meio. Ficamos, portanto, diante de uma forma explícita, indecorosa, de contar uma história: por meio dos poros, numa lente subjetiva, invasiva, em close-up constante. Assim, Verlaine não se defende, o tempo inteiro, diante do júri, apenas, mas se defende também do público, como se carregasse a letra escarlate no peito, andando por entre uma longínqua aldeia da Nova Inglaterra de Hawthorne.

Fernando é baiano de Salvador. Pinta com cores fortes, tudo o que realiza em teatro. Assim é que o fundo musical escolhido pelo autor da peça é trocado por intervenções de uma guitarra elétrica, nervosa, tocada ao vivo pelo diretor musical Juracy do Amor – segundo anacronismo da montagem baiana ou deliberada mistura dos anos, na memória? Verlaine segue usando roupas de época. Alcides havia escolhido Chopin... E se achei que Fernando Guerreiro havia mudado o início da peça (Alcides Nogueira põe um beijo longo entre os dois poetas, ao som de Chopin, como abertura do texto) por decoro... Hèlas! Ledo – porque é sempre ledo – engano! No meio da peça – e da mesa – os dois homens se atracam, se beijam, se despem, se amam efusivamente.

O texto é feito, praticamente, de dois monólogos: o encenador tem de dar um jeito de sincronizar as falas. Verlaine se encontra em três planos de consciência e discurso, fazendo lembrar o Rashomon de Akutagawa: defende-se, em um julgamento; conversa com Mathilde, sua esposa; encontra Rimbaud. Do outro lado da quadra (eu sentei numa cadeira ao meio da igreja, perto da rede do tênis de mesa), o poeta das Iluminações, mas também da temporada no inferno, vive as falas diretas a Verlaine, certo delírio poético e o encontro com Mathilde, quando se hospeda à casa de seu amante. Há ainda uma curta passagem por Bruxelas, em que os poetas vacilam quanto à vida que pretendem levar, juntos. Até alcançarmos o tiro dado por Verlaine no pulso de Rimbaud – depois do mesmo tiro apenas lembrado, pelo poeta –, já sabemos de que lado estamos: dos dois. O embate é justo. Há um homem atormentado porque ama um jovem poeta genial, mas é casado e funcionário público, além de poeta consagrado. E há um adolescente genial, apaixonante, inquieto, intenso e selvagem, apaixonado pelo amigo e pela vida. Apenas a mesa, imensa, é injusta. E o revólver, talvez.

Fiquei muito bem impressionado com a atuação de Caio Rodrigo. A afetação de seu Verlaine está na medida certa. Pensei imediatamente em Javier Bardem, monumental, dando vida ao sofrido escritor cubano Reinaldo Arenas. Os olhos de Caio são assustadores, em determinados momentos, e sua voz jamais vacila. Ao contrário de Rimbaud, Talis Castro tem idade, sim, e começa bem. Percebe-se a incipiência, mas é perceptível, igualmente, a capacidade do ator de crescer para além dos personagens marcantes.

Fiquei um tanto incomodado com a figura meio acrobata do Rimbaud de Fernando-Talis, pulando, pendulando, correndo. O Rimbaud inicial também me incomodou bastante, porque “entra de sola”, já gasto, gritando muito, enquanto o público estava frio, ainda. O dramaturgo é mais paciente com o público, dando-nos o tempo, que julgo necessário, para entrar na história e fazer de qualquer densidade uma verossimilhança. E há ainda o tom mais enfant gâté que enfant terrible, do Rimbaud de Fernando Guerreiro. Trata-se de uma decisão. Eu gosto de pensar no poeta menos mimado, menos menino.

Pólvora e Poesia é exatamente o que “explica” o título – a única surpresa que não se deu. Quente e fluido, lava de vulcão. O espetáculo é mais ousado pela encenação do que pelo texto. Os estampidos nos levam até em casa com todo o magma de dois poetas dirigidos em alta velocidade.
E a temporada é curtíssima, é claro.

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